«Носферату, симфония ужаса» (Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens, 1922) — абсолютная классика и немецкого киноэкпрессионизма, и вообще кинохоррора; фильм, создавший один из наиболее узнаваемых архетипов кинематографического вампира — вампира-монстра. Этот архетип, имеющий куда более архаические корни, чем более современный образ вампира-аристократа, ничуть не утратил популярности за прошедшие сто с лишним лет. Отсылки к образу графа Орлока встречаются в культуре постоянно. Полноценные же ремейки у «Носферату» появляются лишь раз в полвека: в 1978 году Вернер Херцог снял «Носферату — призрак ночи» с Клаусом Кински, а в 2024 Роберт Эггерс — «Носферату» с Биллом Скарсгардом. И еще есть «кино, как мы делали кино» — «Тень вампира» с конгениальным Уиллемом Дефо в роли вампира, играющего роль человека, играющего роль вампира.

«Носферату» стал первым и последним фильмом, снятым компанией «Prana-Film». Идея снять фильм о вампирах принадлежала одному из основателей компании, Альбину Грау. Вдохновением для него послужил его личный опыт военных лет: зимой 1916 года сербский фермер рассказал ему, что его отец был вампиром и нежитью (Vampir und Untoter). Сценарий для «Носферату» написал Генрик Галеен (1881 — 1949), признанный эксперт в жанре романтики и хоррора, соавтор сценария в фильмах о Големе (1915 и 1920), впоследствии сценарист «Кабинета восковых фигур» (1924), режиссер «Пражского студента» (1926) и «Альрауне» (1928). Галеен перенес события «Дракулы» из Англии в вымышленный северогерманский портовый городок Висборг и изменил имена персонажей. Он также добавил мотив чумы, переносимой сопровождающими вампира крысами. Сценарий Галеена имел стихотворный ритм.

На роль режиссера был выбран Фридрих Вильгельм Мурнау, который снимал фильмы только с 1919 года, но хорошо себя зарекомендовал первыми семью постановками. Альбин Грау, выпускник Дрезденской академии художеств, стал художественным руководителем фильма и создавал декорации и костюмы. Впрочем, «Носферату» от большинства экспрессионистских картин того времени отличало большое количество съемок на натуре, а не в павильонах. Съемки «Носферату» начались в июле 1921 года в Висмаре. Заброшенные здания соляных складов, в которые по сюжету переезжал жить Носферату, и некоторые другие локации снимались в Любеке. Также натурные съемки проходили в Лауэнбурге и Ростоке и на острове Зильт. Затем съемочная группа отправилась в Карпаты, где в роли замка Орлока были отсняты Оравский град (Oravský hrad, по-немецки Arwaburg) и руины Старого Града (Starý hrad, он же Varínsky hrad, Varín и так далее, тоже на территории современной Словакии). Горные виды снимали в Высоких Татрах, и так далее — более полное описание съемочного процесса можно прочитать в немецкой википедии.

Фильм приняли в целом положительно; было немало восторженных рецензий. Не обошлось и без критики, например, указали на комичность заглавного героя, таскающего под мышкой свои гробы — «он словно пытается отправить рождественскую посылку незадолго до семи, когда почтовые отделения закрываются, и не знает, где попытаться это сделать». Но затем началось нехорошее. Флоранс Болкомб, вдова Брэма Стокера, уже в год премьеры подала на «Prana-Film» в суд, требуя 5000 фунтов стерлингов в качестве возмещения ущерба и уничтожения всех копий фильма. Денег она не получила, так как «Prana» признала себя банкротом. Однако в июле 1925 года берлинский суд в последней инстанции постановил, что все материалы фильма, включая все копии «Носферату», должны быть уничтожены. Лондонское Киносообщество дважды пыталось провести показы в Лондоне, и оба раза Флоранс вмешивалась и требовала запретить показ, причем в первый раз копию удалось скрыть, а во второй раз, четыре года спустя, алчная вдова все-таки победила, копию изъяли и уничтожили. После этого она за 40 000 долларов продала права на экранизацию «Дракулы» компании «Universal», которая в 1931 году выпустила первую «легальную» экранизацию с Бэлой Лугоши, но это уже другая история.

Уничтожения удалось избежать в основном тем копиям «Носферату», что уже были проданы за границу. С ними, впрочем, творился настоящий хаос: их перемонтировали, сокращали, меняли название и титры; например, в Америке немецкие имена героев заменили на оригинальные стокеровские, но местом действия вместо непонятного Висборга стал Бремен. Где-то даже доснимали дополнительные сцены; где-то сделали фильму хэппи-энд, собранный из ранних сцен фильма; где-то Носферату приобрел хорошее трансильванское имя Волкофф, и так далее.
Однако именно благодаря этим копиям фильм в итоге удалось реконструировать и воссоздать.
#drc_cinema

Наш пост про ремейк "Носферату", снятый Вернером Херцогом в 1979 году, здесь: https://vk.com/dark_romant...

"Казанова Федерико Феллини" (Il Casanova Di Federico Fellini, 1976) — фильм, стоящий особняком в послужном списке легендарного режиссёра. Сам Феллини впоследствии неоднократно отзывался об этой своей работе негативно, выражая также неприязнь к заглавному герою и к его мемуарам, в которых сексуальные похождения перечисляются с отстраненностью телефонной книги. Целью же фильма, по словам Феллини, было разоблачить пустоту жизни Казановы («...exposing "the void" of Casanova's life»).

В итоге вместо эротики мы имеем практически фрик-шоу и фан-диссервис, вместо драмы — буффонаду и гротеск, вместо подлинных итальянских интерьеров и ландшафтов — масштабные студийные декорации (особенно запоминается венецианская лагуна, созданная, кажется, при помощи огромных волн полиэтиленовой пленки), вместо исторических костюмов — сюрреалистическое дизайнерское буйство (впрочем, именно костюмы принесли фильму Оскар и ряд других наград).

С другой стороны, сквозь весь этот вычурный и зачастую малоприятный изобразительный ряд, словно даже вопреки ему, проступает история абсолютного одиночества, разочарованности, вечных и тщетных поисков некой отвлеченной, абсолютной женственности (которую герой в итоге находит в заводной кукле) и тотального несоответствия человеческих амбиций и окружающей реальности.

Иными словами, если Феллини и ставил главной целью обличить или даже высмеять личность и жизнь Джакомо Казановы, в итоге фильм получился неизмеримо более универсальным и многозначным. Финальный кадр с героем, который кружится в механическом вальсе с заводной женщиной-куклой под музыку, напоминающую мелодию музыкальной шкатулки, врезается в память своим подлинно романтическим трагизмом.

Да и сам Дональд Сазерленд в этом фильме, что называется, отдельный вид прекрасного. Феллини видел главного героя гротескным, и потому настоял на том, чтобы актеру выбрили лоб и изменили при помощи грима линии носа и челюсти — но в итоге получилось некое неземное, странное, андрогинное, утонченное создание, вызывающее скорее жалость и сочувствие, чем заявленную режиссером неприязнь.
#drc_cinema

Наш пост про "Казанову" с Хитом Леджером здесь: https://vk.com/wall-359802...

Голод (The Hunger, 1983) - эстетская и декадентская драма о вампирах, получившая, как это часто бывает смешанные (ближе к отрицательным) отзывы в момент выхода, но в последствии ставшая абсолютным культом и классикой, не только для готической субкультуры, но и вообще. Что касается влияния на готическую эстетику, то «Голод» привнес в нее как минимум два элемента: образ египетского креста ан(к)х (он же «крест с петлёй», «ключ жизни», crux ansata и так далее) и песню группы «Bauhaus» «Bela Lugosi’s dead», причем анкх стал одним из символов готической субкультуры, а песня — можно сказать, неофициальным гимном. Также «Голод», помимо прочего, оказал значительное влияние на эстетику и атмосферу сериала «Ганнибал».

Однако большое видится на расстоянии. «Голод» критиковали за сюжет и медленный темп, за перегруженность декорациями и монтажными склейками, за чрезмерную сексуальность, за недостаточную сексуальность, за якобы отсутствие истории. Авторитетные критики называли его слишком кровавым, «прекрасно снятым, но лишенным содержания», «стильным, но пустым», «мучительно плохим». Хвалили разве что визуальный ряд, музыку, костюмы, грим и иногда — общую атмосферу.

Впечатления актеров тоже были двойственными. Дэвид Боуи говорил, что «первые двадцать минут (фильма) жгут напалмом — это было действительно отличное начало» («the first twenty minutes rattle along like hell – it really is a great opening»), но его беспокоило, что «некоторые моменты просто извращенно кровавы».

Сьюзен Сарандон осуждала добавленную по просьбе студии финальную сцену, делающую концовку открытой. «Тем, что делало этот фильм интересным для меня, был вопрос: «Хотели бы вы жить вечно, если бы были при этом наркоманом?» Но в процессе съемок руководство переписало переписало концовку и решило, что я не умру, так в чем же смысл? Все правила, которые устанавливались на протяжении фильма, были проигнорированы. Никто не понимал, что происходит, и я думаю, что это позор».

В ретроспективных же обзорах фильм преимущественно хвалят. Вон достаточно яркая характеристика от «Film at Lincoln Center»: «Благодаря своей знаменитой смелой визуальной эстетике — с высокоинтенсивным освещением, экспрессионистским дизайном и захватывающе интимными съемками — и мелодраматической выразительности трех главных актеров, фильм является ультрастильной капсулой времени, архетипом глянцевого, концептуального способа повествования, который преобладал в Голливуде начала 1980-х годов». Лучше, пожалуй, и не скажешь.

Все цитаты взял из английской википедии, перевод мой, местами довольно свободный.
#drc_cinema

"Казанова" (Casanova, 2005) - историческая комедийно-приключенческая мелодрама. Получилось неожиданно целомудренно для такой темы, а Казанова в итоге предстает не столько конкретным человеком, сколько идеей, ролью и мифологизированным образом, который можно передать другому - примерно как "должность" Зорро в "Маске Зорро". Среди достоинств фильма - актерские работы, съемки в прекрасной Венеции и очаровательное легкомыслие всего происходящего. Смотреть безусловно стоит, если хочется чего-то красивого, но необременительного и не претендующего на особую глубину.
#drc_cinema

"С широко закрытыми глазами" (Eyes Wide Shut, 1999) — драма-триллер, последний фильм многогранного Стэнли Кубрика, одного из главных перфекционистов в истории кино. Фильм этот получил и получает весьма полярные оценки. После выхода на экраны одни критики хвалили его за особую бескомпромиссную смелость, другие порицали устаревшую фрейдистскую начинку (литературный первоисточник, повесть австрийского писателя Артура Шницлера «Новелла о снах», печатался еще в 1920-е годы). Также в равной степени можно превозносить выверенную, отточенную кинематографию Кубрика, наслаждаться актерскими работами, эстетикой и саспенсом — либо критиковать чрезмерную затянутость ряда сцен, особенно диалогов, а в сумме и всего фильма.

В кино далеко не всегда стоит противопоставлять форму и содержание — в хороших фильмах очень часто «что» рождается из «как». Но в «Широко закрытых глазах» содержание, на мой взгляд, очевидно сковывает и умаляет форму.

Посыл, что под покровом внешне благополучного брака у людей иногда таятся нереализованные страсти, слишком очевиден, чтобы не сказать мелковат для столь грандиозного проекта. Для того, чтобы сделать столь очевидное заявление, совсем не обязательно снимать почти трехчасовое пиршество для глаз с участием первоклассных актеров, сопровождаемое классической музыкой и погружающее зрителя в зыбкую атмосферу эротического напряжения и одновременно смутной тревоги.

Ощущение масштабного зловещего заговора и фальсификации реальности здесь достойно скорее мировоззренческой фантастики в духе «Темного города» Алекса Пройяса, чем практически бессобытийной истории так и не случившегося адюльтера.
#drc_cinema

«Собор» (вернее, "Церковь", "La Chiesa" или "The Church", 1989) - фильм ужасов итальянского режиссера Микеле Соави, снятый при участии Дарио Ардженто в качестве сценариста, продюсера и автора идеи. Получился не шедевр (свой opus magnum, "Dellamorte Dellamore", Соави снимет в 1994 году), но как минимум интересный и необычный хоррор, в чем-то даже слишком хороший для этого жанра. Вступительная сцена, происходящая в условном средневековье, навеяна (чего создатели не скрывали) началом культового "Конана-варвара" (1982 г.). Завязанность сюжета на древнее строение с его мрачной предысторией напоминает "Суспирию" и "Инферно" Дарио Ардженто (только снято все относительно классически, без сюрреалистического цветного света). Иногда фильму хочется побыть культурологическим детективом в духе "Имени розы", но этого, к сожалению, в нем очень мало - стоит персонажам погрузиться в чтение древнего текста, как их прерывает какая-нибудь аниматронная пугалка. Кстати, из вышедшей всего семью годами ранее экранизации "Имени розы" в "Собор" перекочевал, снова в роли старого монаха, Фёдор Шаляпин-младший (1905 – 1992).

Заглавного же героя фильма, то есть собственно церковь, снимали, помимо павильонов, аж в трех местах: внешние виды храма - это прекрасная Церковь Матиаша (Mátyás-templom) в Будапеште; интерьеры храма - Церковь Святой Елизаветы Арпадской (Árpád-házi Szent Erzsébet Plébániatemplom), тоже в Будапеште, хотя по сюжету действие происходит в Германии; останки храма сняты в руинированной неоготической церкви Св. Николая в Гамбурге (Hauptkirche St. Nikolai).

В фильме есть одно интересное и абсолютно неожиданное заимствование: галлюцинация одного из персонажей (примерно 1 час 11 минута). Герой видит практически точный "косплей" картины "Поцелуй вампира" известного художника Бориса Вальехо (картина написана в 1979 году, так что сомнений в том, кто кого вдохновил, быть не может).
#drc_cinema

«Харчевня у Врат Дракона» (в оригинале 龍門客棧, «Гостиница «Дракон», в англоязычном варианте «Dragon Gate Inn», 1967) — классика жанра у-ся (китайский исторический фильм с боевыми искусствами), фильм, ставший культовым и получившим несколько ремейков.

«Харчевня...» снята в те годы, когда та характерная для у-ся хореография, совмещающая элементы традиционного у-шу с большим количеством зрелищной акробатики и полетов на тросах, еще по сути не появилась — и в итоге мы имеем почти реалистичное (для эпоса о мастерах боевых искусств, конечно) зрелище, напоминающее во многом вестерн — только вместо револьверов здесь мечи, метательные ножи и боевой зонтик, вместо бандитов — армия злодейского евнуха, а вместо салуна — вынесенная в название гостиница «Дракон».

Вторая половина фильма, состоящая в основном из старомодного, театрально условного фехтования на мечах, порадует прежде всего поклонников подобного винтажного кино, большинству же зрителей покажется слишком архаичной. А вот первая половина, в которой происходит постепенное нагнетание конфликта и демонстрация умений и характеров героев, не только держит в напряжении, но и вполне забавна — в духе старых авантюрно-приключенческих комедий плаща и шпаги, как зарубежных, так и советских.
#drc_cinema

"Je te rends ton amour" ("Я возвращаю тебе твою любовь)" - песня, которую Милен Фармер называла в интервью ни много ни мало своей любимой. Композитором выступил постоянный соавтор певицы, композитор и режиссер Лоран Бутонна, режиссером клипа — Франсуа Анс (François Hanss), автором текста и сценаристом клипа — сама Милен.

И текст песни, и образы из клипа имеют несколько истолкований. Сама певица говорила в интервью, «Я совершенно точно знаю, что означает эта песня. Но не хочу навязывать интерпретацию. Это может быть история любви или история отхода от Бога».

Образный ряд песни и образный ряд видео при этом существенно отличаются: если в клипе присутствуют религиозные символы, то в песне о них ни слова, зато используются образы из живописи: лирическую героиню «выдернули из рамы, ободрав кожу»; отвергая любовь, она возвращается в полотно, «снова становится наброском единственного мэтра — Эгона Шиле», и сравнивает себя со «Стоящей обнаженной женщиной» ("La Femme nue debout") этого художника.

Символическая трансформация героини в клипе считывается просто: слепая, хрупко-беспомощная, в розовом платье она заходит в церковь; там на нее нападает нечто; героиня начинается истекать кровью, идет по крови, лежит в крови, распята в крови; героиня в черном платье выходит из церкви, оставив там обручальное кольцо и обретя зрение.

Излишне говорить, что цензура усмотрела здесь критику католической церкви или церкви вообще, но это, безусловно, слишком узкое понимание: если это о Боге, а не о человеке, то в любом случае не о церкви в узко историческом или географическом смысле, а об ужасе сотворенного мира в целом. Через кровь героиня прозревает — это страшно и болезненно, но неизбежно как взросление.

Клип был снят в аббатстве Нотр-Дам-дю-Валь Мэриэл (Notre-Dame-du-Val Mériel) за два дня в мае 1992 года. Основная локация клипа — дортуар (дормиторий), то есть общее спальное/жилое помещение монастыря.
#drc_cinema #drc_music